Gonzalo Garcia
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El desfile de un salvaje hacia el futuro
- La pintura tambien es un canto
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- Cerdo yo
Curada por Nina Chkareuli-Mdivani
Curated by Nina Chkareuli-Mdivani
– Mark Fisher
A secret sadness lurks behind the twenty-first-century’s forced smile.
– Mark Fisher
The time we live in marks our trust in physical freedom and in the freedom of thought essential; the
proliferation of fake news has turned trust into a precious commodity. Can we completely believe
algorithms, templates, chat GPT interactions, prejudices, and preconceptions? How could we stop
being vulnerable to preprogrammed biases and refrain from happily consuming them? London-based
multidisciplinary artist Saelia Aparicio, Mexico-based painter Gonzalo Garcia, and Tbilisi-based
painter Rusudan Khizanishvili take up issues of vulnerability, trust, and power while foregrounding
their distinct visual modes of expression. Aparicio’s anthropomorphic wood sculptures, Garcia’s oil
paintings on linen that are gentle and brutal at the same time, and Khizanishvili’s strong and symbolic
colors engage in a visual discourse. The three transgressive artists want to wake us up through strong
visual statements that are sometimes intentionally ambiguous or ironic, sometimes grounded in
specific political events such as the anti-government protests in Georgia in 2024-2025 or Mexico’s
student protests in the 1960s...
Las pinturas figurativas al óleo de Gonzalo Garcia abordan la confianza, el poder y la violencia de una manera más literal y deliberadamente transgresora y confrontativa, destinada a despertar nuestra sensación de irrealidad e incredulidad. Escenas de castración y posibles torturas físicas o psicológicas se desarrollan dinámicamente ante nuestros ojos. Inspirado por el cine mexicano de los años setenta y películas como El Castillo de la Pureza de Arturo Ripstein y Los Cachorros de Jorge Fons, Garcia está interesado en crear una historia híbrida de una utopía autoritaria que insiste en correcciones de género. No vemos los rostros ni de los torturadores ni de sus víctimas, pero somos libres de añadir identidades y detalles por nuestra cuenta. Naturalezas muertas líricas, centradas en las investigaciones previas del artista sobre su identidad queer y ambientadas abstractamente en mercados y espacios de su infancia en Ciudad de México, pintan imágenes mucho más suaves de transformación, entrega y libertad de existir.
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Gonzalo Garcia’s representational oil paintings approach trust, power, and violence in a more literal and deliberately transgressive, confrontational way meant to arouse our sense of unreality and disbelief. Scenes of castration and potential physical or psychological torture are dynamically unfolding in front of our eyes. Inspired by Mexican cinema of the 1970s and films such as El Castillo de la Pureza by Arturo Ripstein and Los Cachorros by Jorge Fons, Garcia is interested in creating a hybrid history of authoritarian utopia insisting on gender corrections. We do not see the faces of either torturers or their victims, but we are free to add identities and details ourselves. Lyrical still lives centered on the artist’s earlier investigations of their queer identity abstractly set in marketplaces and their childhood dwellings in Mexico City, are painting much gentler images of transformation, surrender, and freedom to exist.
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En sus nuevas pinturas al óleo, Rusudan Khizanishvili utiliza juegos de palabras y símbolos. Pintadas durante las primeras protestas políticas en Georgia en la primavera de 2024, la artista reflexionó sobre las cubiertas protectoras y políticas como medios para controlar a las sociedades. Las cubiertas teatrales rojas forman parte de mecanismos tras bambalinas que Khizanishvili ha representado a lo largo de su trayectoria artística. Algunos de estos mecanismos pueden rastrearse hasta las miniaturas persas, mientras que otros remiten a representaciones mitológicas de guardianes. Las figuras de Khizanishvili son abstraídas de características individuales al momento de presentar dramas humanos o sociales; podrían ser paganas o neohumanas, con referencias indirectas a las novelas de Michel Houellebecq, pero en el centro se encuentran nuestras almas y su búsqueda de armonía.
Saelia Aparicio adopta un enfoque experimental para investigar dónde nos encontramos, como cuerpos físicos, en este tiempo de “realismo capitalista”, tal como lo definió el filósofo Mark Fisher, con quien la artista siente una estrecha afinidad. Sus bancos antropomorfos y dibujos trabajan con cuerpos humanos y de género fluido que son deliberadamente vulnerables y juguetones. Las esculturas y dibujos resultantes están atravesados por referencias al folclore, la cultura popular y el feminismo, pero también por la materialidad misma de la madera, el vidrio, la tela y la arcilla. Las preguntas que plantea Aparicio son cómo podemos seguir siendo humanos y permanecer abiertos frente a todas las fuerzas opresivas que actúan contra nosotros. Su respuesta es una apuesta por la esperanza, el riesgo, el humor y la experimentación; entre las clasificaciones rígidas y las dualidades existen fisuras donde podemos encontrar espacio para lo desconocido, para criaturas mutantes que abren una ventana hacia lo inesperado, sin limitarnos a aquello prescrito por las estructuras digitales o por el “doom porn”.
Los tres artistas utilizan distintos recursos formales para investigar los grados de confianza y cómo nosotros, como especie humana, podemos sobrevivir a este tiempo de incertidumbre. Parece que solo el humor, la armonía, el riesgo y el arte pueden ayudarnos a resolver nuestros problemas de confianza.
In her new oil paintings, Rusudan Khizanishvili uses a play on words and symbols. Painted during the first political protests in Georgia in the spring of 2024, the artist thought about protective and political covers as a means of controlling societies. Theatrical red covers are part of behind-the-scene mechanisms that Khizanishvili portrays throughout her artistic career. Some of these mechanisms
could be traced to the Persian miniatures, while others to the mythological representation of guardians. Khizanishvili’s figures are abstracted from individual characteristics when it comes to presenting human or social dramas; they could be pagan or neohuman with indirect references to Michel Houllebecq' novels, but at the center is our souls and their pursuit of harmony.
Saelia Aparicio takes an experimental approach to investigate where we, as physical bodies, are at in this time of capitalist realism as defined by philosopher Mark Fisher, to whom the artist feels a close affinity. Her anthropomorphic stools and drawings work with human, genderfluid bodies that are deliberately vulnerable and playful. The resulting sculptures and drawings are cross-referenced by folklore, popular culture, and feminism, but also by the sheer materiality of wood, glass, fabric, and clay. The questions Aparicio asks are how can we remain human and open with all the oppressive forces working against us. Her answer is of hope, risk, humor, and experimentation, between the rigid classifications, between dualities, there are fissures where we can find space for the unknown, for
mutant creatures that open a window to the unexpected, not limiting ourselves to what is prescribed either by digital structures or by doom porn.
All three artists use different formalistic devices to investigate degrees of trust and how we, as a human species, can survive this time of uncertainty. It seems only humor, harmony, risk and art can help us to solve our trust issues.
— Nina Chkareuli-Mdivani